在过去的成果上进行未来的美学教育――设计也是一种表演

                                                         麦克・拉姆索（美国斯坦福大学）



　　我的工作主要是为音乐剧剧场进行灯光设计，同时担任加利福尼亚大学灯光设计这门课程的教授。另外我还是国际舞美组织（OISTAT）主席。

　　在所有工作中，我对当代舞台美术的视觉效果和舞台美术的走向颇有兴趣。

　　一、当代舞台美术正在发生怎样的变化？

　　我对这个问题的回答是：

　　1、 作为“装饰”的场景减少；

　　2、 实际景物的体积和数量减少；

　　3、 负空间（黑暗）的应用更加广泛；

　　4、 在构建舞台画面时现实主义运用减少，抽象图案增多；

　　5、 灯光更加广泛的应用以创造丰富的结构；

　　6、 在舞台上应用更多投影和数字图像；

　　7、 将现有场地更多地用于“根据表演场地量身定做”的艺术“体验”；

　　8、 导演与表演创作之间的关系更加紧密。

　　总之，舞台美术作为现场表演设觉方面的设计和处理受到更多重视。

　　与简单的舞台设计相比，舞台美术的概念更加复杂。

　　舞台美术包括表演的所有视觉方面，如背景、服装、灯光，我认为，甚至声音也应归于其中。无论设计者是个人、舞台美术专家，还是负责各设计区的专家组，舞台美术都是对表演完整视觉的表达。

　　舞台美术的理念正在日益倾向于导演理念，即运用所有可行的视觉手段来讲述故事。现场表演的内容现在更加丰富和有趣，而不仅仅是演员站在装饰过的舞台前讲话。表演需要通过形象和语言加以表达。

　　未来，舞台美术学将会充分应用到设计的各个方面，尤其是对舞台美术非常重要的灯光设计。



　　二、过去成就未来

　　自20世纪80年代以来，摇滚音乐会实现了许多灯光方面的创新，包括电脑灯革命。这一革命是由“创世纪”摇滚乐队及其灯光公司Vari-Light发起的，他们在音乐会上展示了灯光移动这一新技术在舞台表演中的魅力。

　　这些早期的发展最终得到采用，并对当前和未来舞台美术的发展趋势产生了重要影响。伴随着音乐会发展而产生的美学技巧包括：场景的抽象化；对舞台氛围的依赖；在视觉构成中使用饱和色；通过灯光“指引”视觉焦点；大量不断变化的视觉元素。

　　1、 以往音乐会舞台上通常是音乐和音频设备的无序组合，于是，舞美设计着尝试着通过场景设计来掩盖这种混乱的舞台布置。经过一段时间的努力，设计者们决定将音乐会设备融入布景设计之中，何必费心回避这些显眼的东西呢？这一观念的转变主要得益于灯光设计创造的视觉层次。

　　2、 氛围是舞台设计的重头戏。早年音乐会允许观众吸烟，设计师们注意到了灯光穿过烟雾所产生的视觉效果。他们开始思索，如果专门使用雾化器和空气处理技术取代音乐会观众吸烟所产生的烟雾来处理灯光会是怎样。灯光设计不仅要提供足够的光线照亮演员，还要对穿越空气时受烟雾粒子反射的光线的结构和颜色加以运用。

　　3、 电脑灯光的新灯光技术使饱和色的应用成为可能。设计师们不仅在演员，场景和舞台地板上使用有色灯光，还通过空气处理技术使他们在空中的“光线结构”变得突出。摇滚音乐会通常选择空旷的演出场地，使得演员在其中显得非常渺小。为此，设计师发明了舞台射灯以放大演员的视觉形象，包括演员头顶上方的空间。这个以往的“空”间为展示灯光秀成为了可能。灯光秀不仅照亮演员，同时也为演出增加了相当多的渲染和气氛。

　　4、 音乐会与当代表演在视觉构成和舞台焦点之间有很多相似之处。通过灯光“指引”带来了很强烈的层次感。许多戏剧和音乐剧中都有大量演员。当焦点放在主要演员身上时，推动情节所需的视觉画面也应大量增加。这一焦点可以让观众从舞台上的演员中轻易地认出主角。因此“光线”是制造这一焦点的途径。

　　5、 当音乐视频被引进后，它对观众的视觉敏感度和期望产生了广泛的影响。音乐视频将音乐和演员的表演结合为一体，并增加了许多视觉画面。这些画面转换速度极快，常常让观众目不暇接。因为音乐视频，人们对现场舞台表演充满了期待。这些期待现已通过在表演时提供许多灯光暗示得以实现。可以说，灯光的变化是对表演细节的强调或注解。

　　最典型的是现在许多戏剧表演中都会运用电脑灯的一些技术。



　　三、如何培养学生适应未来的舞台设计趋势？

　　目前有一种趋势正在向叫做“设计表演并行”的理念靠拢。

　　20世纪初，伟大的英国戏剧革新者爱德华・戈登・克雷提倡将纯粹的理论教学转向直接在舞台上实践舞台美学。他认为舞台可以当做画布来使用，这样，表演者们能够并且应当自己化身为舞台美术家，亲自体验空间与灯光。

　　基于舞台美术家可以同时是创作人和表演者的信仰，设计与表演的并行理念逆向接近了爱德华・戈登・克雷所提倡的转变。全球许多艺术院校不断地将“设计表演并行”纳入到规定的主要课程之中。这一以舞台美术为基础的戏剧创作方法，认同过去数十年来形成的戏剧、美术，视觉艺术以及表演艺术之间的联系，也有代表性地反映了戏剧包罗万象的本质，并说明了各种不同艺术形式之间日益明显的人为界限。

　　许多知名的国际导演、设计师、戏剧作家，都力图在设计表演约定俗成的范围内工作，一些戏剧导演如：Robert Wilson,Robert Lepage,Heiner Goebels,Julie Taymor 以及Peter Brook等都是如此。这些表演的创新者和许多年轻的从业者们，均是从设计者的角度观看演员、音乐家和舞蹈演员的表演。

　　“设计表演并行”是一个全新的教育理念，它来源于表演的视觉和设计方面的戏剧创作。这一理念的意图是将学生的创造力集中到对戏剧风格和表演的尝试上来，并使表演艺术与设计艺术相结合。这么做的目的，是从各个能对艺术作出创造性贡献的方面来处理表演和戏剧风格。

　　该处理方法往往会使空间产生新的不同用途，使教授们在对学生进行教育时，不再以教科书为主，并使表演者与观众之间建立起一种特别的关系。它的重点在于以视觉效果讲述故事，而不只是将舞台上的演员和布景以及服装加在一起，制造吸引观众的舞台画面。

　　应培养学生在排演时观察和学习演员的表演，理解表演上的创造性发展，并加入自己独到的想法。同时还应鼓励他们充分利用整个舞台环境，包括表演时的灯光和声音。

　　今年，斯坦福大学将试点一门新课来验证“设计表演并行”的理论。我们根据T・S・Elliot的诗作《荒原》将创作6种不同的设计表演版本，不是指以6种语言表演《荒原》这首诗歌，而是基于诗中的概念和蕴含的幻想呈现6种完全不同的演出。

　　在戏剧化处理诗中细节时，这一理念将使舞台美术成为灵感的中心元素。这实际上是对“设计表演并行”国际趋势的一次尝试。



（转自《舞台美术教育的现状与未来》）